Art

DEKLOGEERIMINE: 1999 10 filmi 20 aastat pärast aastatuhande lõppu

See DECÁLOGO saade on pühendatud nostalgiale ja eriti mälestusmärkide „Matrix“, „Magnolia“ ja „Silmad tihedalt suletud“ 20. aastapäevale.

1999 on sajandi lõpp, uue aastatuhande saabumine, algavad sotsiaalsed võrgustikud ja massimeedia domineerivad hirmude ja ahastuste üle; emotsioonide virtuaalne reaalsus kinnitab sajandi muutust ning selle kaose ja transformatsiooni tõenäolisi tagajärgi; Ebakindel tulevik, tulevik ja selle hullumeelsus väidavad, et maailm ühendatakse lahti, ühendades selle ja taaskäivitades ajaloo lõpust. Loo lõpp, selle ümberkirjutamine või põhjatu augu põhi kvalifitseeruvad aasta viimasteks kuudeks, lootus pole konstant, karda võimalust, matemaatika ähvardab mõistetamatu, oletatavate akronüümide kaudu oma reeglitele järele anda tegelikult Y2K ... Ükski neist ei juhtunud, nagu oli ette nähtud, nulltunnil 2000. aasta esimesel päeval.

Kõik kulges aeglaselt ja aeglaselt, kuni äkki pärast 2001. aasta sündmusi pole maailmas midagi sama, mitte midagi, isegi hirmud poleks samad, teadaolev poleks teada ja ettevaatusabinõud ettenägematute suhtes ; kinos nähti kiirustamist, segadust, tühjust ja hülgamist, meeleheite kollektiivset enesetappu. Erinevatel 1999. aastal filmitud, välja antud või tehtud filmidel oli laiaulatuslik mõju erinevates žanrites, Rossetta ja Himaalaja rahvusvahelises kinos , Election, South Park ja Office Tangles äratasid ootamatuid naeratusi, nagu olid oodata Ootamatute imede, Poiste ei nuta, Süütuse õnnestumistel. katkestas o andekas hr Ripley ja elureeglid . Põlvkonna lindid, nagu American Pie või Sex Games, uuenduslikud panused nagu The Blair Witch Project, või tavalised komöödiad, koht nimega Nothing Hill või selline tegevus nagu The Mummy, küllastas kinode, näiteks teatrite lõpliku läbipääsu filmikompleksidesse rikkalikud ilma vahepealsete projektsiooniekraanideta, samad piletikassa lindid kui dramaatilised, just keskel, mis saadaks hiljem sõltumatud kunstlõigatud lindid spetsiaalsetesse ruumidesse, mille funktsioonid pole saadaval või millel pole vaatamiseks vähe spektrit.

1999. aastal esilinastus pühitsetud režissööride filme, nagu " Martin Scorsese elav piir", Michael Manni informaator, Tim Burtoni " Peata ratsaniku legend" või David Lynchi " Lugu peata ratsaniku legendist", läbides selleks ajaks žanri. ülestõusnud ja loodud animafilm, nagu seda tegi Tarzan, või meistriteos, mis nägi 2000. aastal tema täielikku tunnustust: Beau Travail .

1999, ehkki see on tohutu printsi ikoonilise laulu pealkiri, oli see ka ajaloolisi ja kaudseid sündmusi täis aasta, mis kuulutas postmodernismi muutumist iroonilises staadiumis või täis paradokse, kus kahe seadme verbigraakia on meile lähemal sellest, kes on kaugel, ja kaugemal sellest, kes on lähedal, kus sotsiaalsete võrgustikega on kokku puututud ja kus on lahkarvamusi, rakenduste, platvormide ja seadmete üle, mis oleks uus ja isiklik meelelahutuskoht, kus hakkavad asuma suur ekraan ja kino meelelahutusvõimalus peaaegu eranditult suurte lavastuste või saagade jaoks.

Harry Potter, Sõrmuste Isand ja Ämblikmees, saabuks pärast 1999. aastat kinosse, et anda viis aastakümne pärast Avatari 3D-i ülestõusmisele või veel ühe aastakümne pärast olla peaaegu täielikult animafilmide või superkangelaste üleujutuse tunnistajaks, jättes ukse nendele ruumidele avatuks lintidele, mis on isikupäraselt uudishimulikult muutunud isikupärasemaks. Ma mäletan hästi 1999. aastat, kui elasin sel aastal oma romaanis " El Surco" jutustatud kogemusi ja kaasasin mõtisklusi koos DECÁLOGO esitletud lintidega, mis olid pühendatud nostalgiale ja eriti Matrixi, Magnolia ja Eyes'i 20. aastapäeva meenutamisele. tihedalt suletud Lintide järjekord hoiatab, et 1999. aastal on saavutusi, sisu ja tootmist nii palju, et ainult 10 jõu jagamine manustamiseks. Naljakas tõsiasi: pooled pealkirjad on toored ooperid ja nende oma, DEKLOGUE algab režissööri debüütooperiga ja lõpeb teise filmi lõppfilmiga, mis õhutab loovust ja uut tõestust, mis koos viimase palaga alates pärandist aitas selle aasta kino kaasa universaalse kinematograafia kaanonile.

10. AMEERIKA ILUS (American Beauty) Rež. Sam Mendes

Parima filmi Oscari võitnud Sam Mendese vastuoluline debüüt sai filmilindiks ja kriitikuks, viimane vähemalt selle alguses, sest erinevalt enamikust filmidest, mille ülevaatamisel selle sisu ümber hinnatakse, on Beauty Seevastu ameeriklane näitas, et suur osa spetsialiseerunud tindist on ülehinnatud; Pealegi, võib-olla oli see keerukate, keerukate ja dekonstrueerivate lintide ajastu perspektiiv, Mendese ettepanek ilmus isegi tavalise pilguheitena või moralistlikus mugavusruumis asuvana, justkui oleks soovidele kinnipidamine saanud karistuse. Tõde on see, et filmil on julge stsenaarium ja kindlad etendused, kus petlik Kevin Spacey saavutab peene tõlgenduse ning Annete Bening paistab silma ilmselge igavuse, letargia ja õnnetu olukorraga, mis näib olevat langenud ideaalsesse monotoonsusse. Seal, kus miski pole ideaalne.

Alan Balli stsenaarium koos Wes Bentley, Mena Suvari ja kogenud Chris Cooperi tõlgendustega kirjeldab ühise, kuid düsfunktsionaalse Burhami perekonna läbikukkumisi, uurib äärelinnade naabruskonda kui kaastundeareeni, represseeritud soove, lähenemist keelatud, välimuse enesetsensuur ja simulatsioon kui pürgiv keskklassi inimsuhete konstant, millele see viitab. Pealkiri annab otsingu, mis näib olevat leidnud ilu tähenduse peidus olevas, kus värvid peegeldavad hoiakuid, soove ja fantaasiaid, samas kui reaalsus on julm nagu see, mis represseerib, ja see peegeldab hästi Thomas Newmani loodud muusikat . Ma mäletan, kui käisin filmi vaatamas 1999. aasta sügisel koidikul, just semestri alguses ja sajandivahetuse adrenaliiniga, mis selleks ajaks oli visuaalselt sugestiivse ja ka kõige hämmastavama stseeni kõrval. Vanni ja punaste kroonlehtede klassikaline järjestus, millega see seostub, oli see, milles töörõivastusesse riietatud Lester võtab kiirtoidurestorani vastuvõtul vastu Carolyni, paljastades vastavalt mängu.

9. RAUDA GIANT (Raudne hiiglane) Rež. Brad Bird

Kui seiklus asustas kujutlusvõime kõiki mõõtmeid, peaks kujutlus olema seiklus. Nii saaksin määratleda lihtsa ja keeruka filmi "Raudne hiiglane ", režissööri Brad Birdsi põhiooperi, kes jagas lauda animatsioonilegendidega nagu Tim Burton ja John Lasseter ning andis koos Matt Groeningiga kümnetele Lossi peatükkidele nüansse. Simpson erinevatel aastaaegadel. 90-ndad, mida iseloomustas animatsiooni naasmine kino tähttasandile koos elegantse eksperimendiga Kes peksid Roger Jänest (1988) ja Väikest merineitsi, nägid frantsiisid, temaatilist uuendust ja mitmesuguste aluste loomist. klassikalised lood, mis juurduvad igas vanuses sügavaimas meelelahutuses, animafilmid, nagu see oli olnud 40ndatel ja 50ndatel aastakümnete jooksul, millel oli ainulaadne edu. Disney juhtis oma traditsiooni juhtimisel põhinevaid jõupingutusi koos liiduga, mille Kalifornia ettevõte teeks, ühendades Pixari, ettevõtte, mis asutas 80-ndatel George Lucase ja katapulteerus eelnimetatud John Lasseteri mänguasjaga Story 1995; hiljem lisaksid protsessi muud uuringud.

Lind ja selle raudne hiiglane, mis põhineb briti luuletaja Ted Hughesi 1968. aastal kirjutatud raamatul, ilmuvad stseenile just aastatuhande lõpus, kus visuaalefektid võistlesid nagu tänapäeval saalide imetlemiseks üha julgemate efektidega, olukord, mis jättis traditsioonilise animaatori jaoks rea väga kõrgeks.

Raudhiiglane jõudis teatritesse 1999. aastal ja kohale jõudes jättis ta saalidega hüvasti, ilma suure müra ja suuremate ootusteta, rahalise fiaskoks ja panustamiseks, mis vaevalt suutis tema investeeringu tagasi saada; Kriitikud ja filmitegijad, kes andsid endale võimaluse seda aja möödudes nautida, on siiski üle vaadanud imelise kogemuse, mida film tähendab emotsionaalsel ja inimlikul tasandil. Animatsioon, mis on segatud traditsioonilise tehnika ja innovatsiooni vahel, lugu, mis algab väljaspool planeeti, selle ümber ja mis juhtub väikelinnas; õppetund küpsusest ja Hogardi tundlikkusest, lapsepõlve tundlikkusest, soovist keskkonda nautida ja imetleda ning see lõpeb igapäevaseks, kui jätame tõesti unistused, mis toitsid meile vaimu, kui olime väikesed.

50-ndatel püstitatud lugu, kui ulmefilmid olid täies hoos, maavälised sissetungid, aga ka külma sõja tuumapinged asustasid vestlusi, kujutlusvõimet ja oletusi - midagi, mis polnud 1968. aastal kaugel, kui see kirjutati ega ka 1999. aastal, kui ajastu lõpp tekitas hirmu, ebakindlust ja samal ajal uuendatud lootust. Hogarth Hughes, noogutades uudistaja Howard Hughesi poole, on peategelane, kes pesitseb oma käitumises, rõõmudes, oma üksildases ja kurioosses lapsepõlves soovides ja unistustes, mida laps hoiab ja väljendab hetkedel, mil kujutlusvõime kutsub seiklus, alati valmis, alati valmis tundma, avastama, uurima ja ühendab nendes ärevustes Raudgigandi visiidi kosmosest, nägemise, kohtumise ja sellele järgnenud koostoimimise, kritiseerib modernsust postmodernistlikult, pilk viimasele 50 aastale, uudised uue aastatuhande algusest ja tulevikust, mis nagu kunagi varem küsib põhjuseid ja ignoreerib tundeid, isegi kui nad neid tunnevad.

Hiiglane on võimeline tundma, kuulama, olema teadlik ja kõike, mis on seotud tema sõprusega lapsega, on võimeline eeldama rahu kui sõnumit, rahu kui võimalust, kui võimalust ja otsides olema see, mida soovite olla, tsementeerima sõprust kui ainulaadset väärtust; kaabakad ei ole robotid ega kosmoseolendid, nad elavad meie seas, kinnisidee, eelarvamused, hirm selle ees, mida me ei mõista, teaduse dihhotoomia, leiutiste duaalsus; lint hoiatab, et kangelased on need, kes julgevad olla need, kes nad tahavad, eemal uhkusest, sõnum hõlmab unistuste otsimist hea otsimisest ja et žest viib selle eemale minast, superkangelase “minusse”, kohtume "meie" koosseisus. Brad Birdil oleks monumentaalsed kriitikud ja piletikassa edu, lindid The Incredibles (2004) ja Ratatouille (2007), lindid, mis annaksid talle kaks parima animafilmi Oscari-auhinda ja seejärel film " Võimatu missioon: fantoomiprotokoll", tema esimene ja ainus valmimiskuupäev. paljude jaoks pole saaga kõige parem toimetamine. Kujutlusvõime elab tõeliste peategelaste - tüdrukute ja poiste - seiklus, mis võimaldavad meil jätkata imetluse piiride elamist, seiklust olemisega, kes soovite olla.

8. KAS SÜNDAD VÕIMALIK olla JOHN MALKOVICH? (Olemas John Malkovich) Režissöör Spike Jonze

Uuenduslik, dünaamiline, keeruline, värske, julge, kas soovite olla John Malkovich? See puhkes nagu mürsk 1999. aastal, Spike Jonze'i debüütooper hämmastas neid, kes ei osanud oodata filmi, mille keskne tegelane oli peategelase mõte, ilma et see oleks, kus näitlejad andsid peategelasele elu. Nukumehel õnnestub lisaks juhuslikule uudishimule leida tee esikusse, mis viib üllataval kombel näitleja ja tegelase mõttemaailma: John Malkovitš. Kui praegu tunnustatakse näitlejat Hollywoodi ühe mitmekesiseima näitlejana, siis 1999. aastal ta juba oli ja sulges kaks aastakümmet erinevaid filme, mis hõlmasid „Surmaväljad ja ohtlikud suhted“, „Kaitsev taevas“ või „ Tulekahju, kuid näitleja mõtte avastamise, lahti harutamise ja uurimise lindi tegemine võiks tuleneda ainult teisest suurepärasest meelest, Charlie Kaufmanilt.

Kaufmani stsenaarium raputas tööstust suure huviga ja film võtsid hästi vastu kriitikud, kes tõstsid esile kuulsuse mõttesse sisenemise väljamõeldud mängu, omamoodi vaimse voyeurismi esiletoomise ja esitasid selle John Cusackilt. Suurepärane, kehastades häbelikku meest, kes näeb selles olukorras tema vastandit, nagu ka tema naine, avaneb introvertse ängi keskpunktis, mis avab tee alternatiivsele reaalsusele. Kellegi teise mõistuse sisse elamine, mitmesuguste isiksuste isiksuste peitmine, mis on meie sees, teise sisemuse, teispoolsuse otsuse ja peegli abil, mida lavastaja meisterlikult käsitseb.

Spike Jonze asus kohe uue aastatuhande tärkavate režissööride ridadesse, see oli hea aasta kogeda kõige vähem ette kujutatavast, pealtvaataja meeles näitleja silmist teiste ja teiste näitlejate pilgu läbi, sünergiat pideva tõlgendamise osas, mis paistis silma Cameron Díazi ja Catherine Keeneri etendustel, kes läbivad tunneli, mis üllatab sama, mis paljastab mõistuse kõige kaugematest ruumidest, et oleme sarnasemad, kui arvame John Malkovichiga.

7. KÕIK MINU EMA KOHTA Rež. Pedro Almodóvar

80ndate kümnend oli Pedro Almodóvarile tähendanud erakordse edu etappi, eriti tohutu populaarse ja kriitilise edu tõttu, mille ta saavutas Mujeresega närvivapustuse äärel, kuid just 90ndate lõpus Kriitikud loovutaksid oma ande kindlasti peale nende narratiivsete teenete tunnistamise. Kõik minu emaga täitis Ladina-Ameerika kino kindlalt.

Tema teema keerukus, dialoogide ja võimsate, tundlike ja esile kutsuvate toimingute kumerad paljastuste nurgad muutis selle süžee julgeks, tuntuks ja põhjalikuks viisiks käsitleda olemise kaotust, otsustamist ja ümberkujundamist enne elu, juhus ja asjaolu. Poja kaotamine peategelase jaoks ja kohtumine iseendaga teise tegelase jaoks jätavad praeguse varjupaika, nõudes minevikku kerjamist, ema otsides kadunud poja isa, isa, keda enam pole, ehkki elusana, kuna ta on muutunud kellegi teisena, on ta suutnud olla tema ja selles täiuses, identiteedis ja oma koha otsimises kaotusest saati annavad Manchego direktori lindile ülevaate sellest, mis meist kaotustest alles jääb, surma andnud siirdamistes annavad lindi keskseks kontseptsiooniks elu ja emadus.

Cecilia Roth, Marisa Paredes ja Penelope Cruz pakuvad filmis lavastusi, mis on täis jõudu, energiat ja iseloomu, kus tema režissöör uurib mitmesuguseid teemasid nagu homoseksuaalsus, transseksuaalsus, usk, eksistentsialism, naiste roll, emadus, millest on aru saadud macho-kontseptsioon, vastavalt naiste ja meeste vabastamine, surelikkus ja lunastus kunstist. Näitlemisele kui sellisele läheneb näitlejanna, kes kannatab, on väsinud ja ülekoormatud, sama, kes pakub, pakub ja täidab rolle, mida ta mängib üksildusest.

6. KUUES SENE (kuues meel) Rež. M. Night Shyamalan

90ndaid iseloomustas see, et näidati filme, mille üllatuslikud lõpud muutsid pähkli või narratiivi muutused kirjanduslikuks pöördeks, mis andis publikule lõbusaid ja väga emotsionaalseid elamusi, Seitse surmavat pattu, Võitlusklubi, Hirmu juur, Levinud kahtlusalused, Põgenemiste unistused, on mõned filmid, mille lõpuaktus oli tõeline ootamatute emotsioonide ja sunnitud arutelude torm. Kuues meel liituks selle nimekirjaga, kuid teeks seda vahepealsest, mis ei terroriseerinud; draamast, et ei mingit tragöödiat; ootusest, mitte otsusekindlusest.

Tegelased on seotud dünaamikaga, mis uurib surma kui kohalolekut, tunnistust kui missiooni ja telekineesi kui omaenda dimensioonidevahelist võimalust. Laps Haley Joel Osment kohtub oma arstiga, et psühholoogias tasub samas otsingus leida parasükoloogiline ja vaimne, tunnistades, et ta on võimeline nägema surnud inimesi ja veelgi enam, nendega mingil viisil ühendust võtma; Tragöödias oma patsientide suhtes tormise minevusega arst Bruce Willis kuulab ja osaleb oletataval patsiendil, jälgides samal ajal vaikides ema Toni Collette meeleheitlikku käitumist, et leida seletus toimunule. Lugu lunastusest või manifest elu poole, meeltest või kuuendast meelest, mis tunneb kaugemale sellest, mida elavad võivad tunda, paigutab M. Night Shyamalani ooperi prima ühe parimate filmide hulka loo kokkuvõte, et kuigi see on oma populaarsuse tõttu langenud klišeesse ja avalikkuse silmis, on see siiski esimene kontaktkino saavutus, mis igatseb kohe teist näha, kuidas oli võimalik maatükk kokku panna nii, et publik ei märka lõppu enne, kui see avaldub.

Kujutamata sugestiivse narratiivi integreerimine, mis peidab, kuid näitab, agiteerib vaataja reaktsioone oodatud aksioomina, kuid ootab ebasoodsa reaktsiooni seletusi, süžee reaktsioonidena kokkupanemise keerukus ilma kindlust paljastamata on kuues mõte hulgaliselt vastuseid samast müsteeriumist, valem, mida selle režissöör üritas erinevates filmides ebavõrdse eduga korrata ja mida jäljendati ka mõnes muus teostuses. Shyamalani loominguline vorm motiveeris kahtlemata peentöötlemise vormi kujundamist, kuidas saavutada üllatava lõpuga film, mis põhjustab teise vaatuse ja mis kolmandas näib kaotavat esmapilgul mõju peaaegu totaalsus, see tähendab üllatav lint, mis esimesel kokkupuutel äratab esmapilgul kõigi meelte varasema ülendamise enne kuuendat.

5. Fight Cub CLUB Rež. David Fincher

Chuck Palahniuki kirjutatud postmodernistliku romaani, X põlvkonna sümboli põhjal on The Fight Club 90ndate viimasest aastast üks hämmastavamaid ja kirkamaid filme omaenda segaduses. alguses kriitika ja piletikassa soojalt, vähehaaval pälvis see austust, tunnustust ja arvukalt järgijaid, kes positsioneerivad seda kui filmi, mis ületas sajandi lõpu kultuse, põlvkonna ja lõplikkuse.

David Fincheri juhendatud võitlusklubi uurib erinevaid teemasid, lähtudes omaenda koha otsimisest eksistentsiaalsetel põhjustel ning vägivalla, leevenduse, skisofreenia või igapäevaelu stressi põhjustava identiteedi põhjal. Narratiivne mõõde arendab topeltisiksust või multiisiksust, mis on ankurdatud sellesse, mis me oleme, milleks me ei taha olla ja milleks me tahame jääda keskele, koos jutustajaga, kes alistub reaalsusele, kui ta sellest eemale kolib, et keskenduda Mõistus, mis teda hääldab. Võitlusklubi on pidev otsimine, meeleheitlik üleskutse, manifestatsioonitaju tunne, et mitte millessegi ei kuulu. Mayhemi projekti esimene reegel on mitte rääkida Mayhemi projektist ja selles reas, mis viitab igatsuse saladusele, toetab skript konflikti millegi või kellegi liitumisega, isegi meie endiga.

Tyler Durdenist sai viide, embleemitegelane, kellel on algselt nägu ja mis filmi edenedes paljastab veel ühe, et mõista, et see pole mitte üks ega teine, vaid kõik; sel viisil on klubi kadunud, õnnetu või otsitud olendite kohtumispaik ning võitlus pole midagi muud kui suhtumise ja vägivalla tähistaja, võimalus leida ruum, kus pole tõenäosust, et kohtuma Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto ja Helena Bonham Carter integreerivad järelkõla, mis pesitseb ookerniiskuse hüljatud hoone rohelises ja pruunis, mustas ja hallis värvitoonis, kus ta vandenõu tunnistab, tunnistab, määratleb ilma sõnadeta rohkem kui rusikad ja energia nendest lähtuva ühiskonna ees.

4. MITTE VÄHEMALT ( mitte keegi vähem) Rež. Zhang Yimou

Universaalse kinematograafia kapten Zhang Yimou esitleb vähemalt ühte intiimset, tundlikku ja realistlikku filmi, mis ületab kunsti, et saada selle ajaloo inimlikkusest universaalseks. Marginaliseerumise ja vastupanuvõimega maakeskkonnas ei esitata mitte vähem lugu, mis vastandub avangardi ja tehnoloogilise Hiina arengule põllumajandustarbimiseks mõeldud Hiina maapiirkondade ja toimetulekut kannatavate koolidega. Kool ilma õpetajata, õpetaja, kes puudub peredraamast, asendusõpetaja, kellel pole rohkem kui noorukieas sisseastumisaastaid, et õõnestada mitte ainult õpetamise, vaid ka lapsevanemate vastutust, mida tuleb kohaldada ennetamiseks et ükski laps ei lahku klassiruumist ettekäändel, et kui ta seda ei tee, ei saa ta oma makse sisse nõuda, vaid ajalugu ületab empaatiavõime eest makstava palga. Püüd selle järele, mida kool tähendab, ületab selle, mida haridus ise tähendab; sel hetkel, kui üks lastest lahkub asjaolude ja asjaolude tõttu ning kui ta eeldab, et läheb tema jaoks linna poole, pole teekonna riskidel ja ebakõladel tähtsust.

Selle tagastamine on võetud vastutus, pühendumus ja selles visaduses kasutab Yimou oma narratiivseid ja visuaalseid ressursse, et teha filmi täielikust uusreaalsusest. Dokumentaalfilmina pakub kuulus režissöör ilukirjanduse ja reaalsuse segudes alternatiivseid reaalsusi, paralleelselt teda haarava majandusarengu duaalsusega, muidu emotsionaalset filmi, mis oli Cannesi filmifestivalil uskumatult keelatud ja mis võida selgelt Veneetsia filmifestivali kuldlõvi. Yimou narratiivne dihhotoomia on jääk, mis katapuldib linti Aasia kino uue realismi ühe referentsina ja ühe kümnendi kõige armsama filmina.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Rež. Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson koondab postmodernsuse languse ja identiteediotsingu valu, kahetsuse, tühjuse ja meeleheite tükki; iga tegelaskuju, mis on juhuslikult või ebaõnnega seotud, kannab nende ridades ja eriti nende väljendustes kõigi hirmude ja ärevuse summat, mis vastavad armastuse, kiindumuse ja motiivide puudumisele. Otsitud õnneseisundi otsimine, mida justkui ei eksisteeri, tagasiastumine, selged unenäod või maske, mis katavad salajasi kavatsusi, iseloomustavad jagatud laulu muusikalisi noote, omamoodi naeru, murtud taotlust, ebaõnnestunud katset ja heategu, millel pole eesmärki ega tähendust . American Beauty saadi parima filmi Oscari-võitjaks, kuid 1999. aasta detsembris ilmunud filmi mäletatakse mitte ajaloos, vaid püsiva hoiatusena ühiskonnalt, kes jätkab oma ruumi otsimist valel ajal: Magnoolia Magnoolia on ilus leht kaasaegse kino ajaloos, ilus, kuigi see teeb haiget, ilus, kuigi hirmutav, ilus, kuigi iseenesest tundub taunitav või ebameeldiv.

Suurepäraste etenduste paljusus jätab oma jälje, justkui oleks paber lõuendiks sinna, kus mõõnad sobivad, värisemine ja vikerkaar tormi lõpus. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman ja Jason Robards - oma viimases rollis - saadavad muu hulgas Cruise'i karjääri võimsat, küünilist, tundlikku ja võib-olla parimat etendust muuta Magnolia kümnendi parimateks filmideks, individuaalseks ja kollektiivseks refleksiooniks paradoksi, tunnete, manuste, suurepärase režissööri kinnituse ja tühjemate postmodernistlike aroomidega immutatud vihma tuleku üle. Tom Cruise võitis oma kolmanda Kuldgloobuse ja kolmanda Oscari-nominatsiooni parima toetava näitleja nominatsiooni eest Frank TJ Mackey rolli eest - tegelasest, kes on muutunud kultuseks neile, kes analüüsivad, uurivad ja tunnustavad kino Thomas Anderson

Magneolia tõmbab ligi realistlikke, tooreid ja muret tekitavaid hetki, just nagu ripuks ta eksistentsialismi, rahutuse ja ebakindlusega riietunud sürreaalse intervalliga; põhjuslikkus ja juhused uputavad ja vabastavad, karistavad ja lunastavad elu pisiasjad nagu hinge ja hingetõmbega valus kaleidoskoop. Filmi ametlik laul "Salvame" kujutab lüürikas ülitäpselt seda juhuslikku ja vennalikku vennaskonda, tegelaste kiiret üleskutset päästa end ja ahastuses, et nad ei leiaks iseenesest päästmist seal tõstab lugude koondamine läbi põimunud ühenduste ringi, mis leiab kontsentrilisi punkte valule ja hajutatud punkte loobumiseks. Film on narratiivne näide postmodernistlikkusest, milles see elab, ja uuest aastatuhandest, mis seab virtuaalsete sidemete kaudu emotsionaalsetele sidemetele proovile.

2. MATRIX (maatriks) Rež. Wachowski Brothers

Meile antud reaalsuse sisseelamine ja enesestmõistetavuse saamine on osa elu püsimisest, kuid dogma väljakutse, selle kahtlemine, päritolu väljaselgitamine ja meid ümbritseva alternatiivse reaalsuse võimaluse avastamine kutsub vaatajat sisestama selles ruumi-ajas, mis suudab manipuleerida energia, staatilise ja dünaamilise liikumisega. 1999. aasta suvi ootas Tähesõdade tagasitulekut I jaos, et Darth Vader saaks alguse Anakin Skywalkeri kaudu, kaasaegse kino tähtkuju lavastajate kurikaelte ja parimate tipptasemel kangelane ning et sel aastal tähistab 4 aastakümmet mütoloogia ja selle klassikaliste müütide esitlemise määratlemist kinos, mis on eluliselt oluline protsess, mis annab selle narratiivile tähenduse. Selle aasta suvi oli teiste filmide hulgas tunnistajaks ka filmi " Metsik, Metsik Lääs" peaosas Will Smithile ja vastuolulisele suveesilinastusele, vastuolulisele lõpuvilmale Stanley Kubrickuga, " Silmad tihedalt suletud " koos Nicole Kidmani ja Tom Cruise'iga. .

Kui Episood I küllastati avidaalsuse ja nostalgiaga immutatud piletikassa ja silmad hästi suletud, provotseeris publik psühholoogilisest põnevusest, siis vendade Wachowski Matrix andis suvele üllatuse suve visuaalefektide ja meelelahutuse osas, pärandades Püsiv suvi, millest on saanud sajandi lõpu visuaalne ikoon. Neo, mängib Keanu Reeves, on postmodernsuse peegeldus, kus süsteemide ülesehituse ja funktsionaalsuse võimalused alistuvad uutele tõekspidamistele. Maatriks esitab süüdistuse ja paljastab religioonid, poliitilised süsteemid ja lahkumisavalduse või tavaga kaasnenud tunded, et muuta "valitud" reaalsuse emantsipeerivaks alternatiiviks. Neo püüab vabastada ja muuta oma igapäevase elu oskuseks, mis kontrollib tema keskkonda ja muudab suurust, kus vendade Wachowski jaoks on sõnum iseenesest väljakutse.

Ehkki Matrixis kasutatud efektid inspireerisid hilisemaid koreograafiaid ja jätsid kustumatu jälje tehnoloogiale, mis kino teenis, olid need sama vastukajad kui selle peategelased; pole juhus, et John Wicki saaga "Fishburne" saatel saatis ta Reevesit laval ja et koreograafiad trotsivad taas tuult. See on naljakas, Wick on reaalsusest taandatud ja näib olevat valitud, Neo on see, kes trotsib reaalsust. Tulevik näitaks, et režissöörid muudaksid oma kogemuste kaudu elu väljakutseks sellele, mis anti soovile liikumise kaudu, eksistentsialistliku emantsipatsiooni selge sõnumina. Selle aasta lõpupoole ja kuna sajand lõppes uue aastatuhande algusega, tegid mitmed filmid mõrva perekonnas, usulises ja vaimses " asutamises ". Ameerika ilu, Paul Thomas Andersoni kuues meel M. Shyamalani või magnoolia poolt, tekitab häirivate pilkude korallid - samad vangistustunnetused, mis Matrixis 1999. aasta suvel ühtisid.

1. SILMAD HÕLGELT SULETUD (silmad laiutas) Rež. Stanley Kubrick

Kunstiline epitaaf soovide provokaatori töös, ärganud libiido häiriv uurimine, mida režissöör polnud uurinud pärast suurepärast Lolita (1962), Nabokovi suurepärast kirjanduslikku kohanemist. Abielu suhe, mis muudab armastuse tavadeks, maitse delegeeritud igatsuses, fantaasia monogaamia tahe, mis on represseeritud ja seejärel meelemängudes väljendatud, annavad teed filmile, mis tegi kõige rohkem mõlgi Kubricku vankumatud kriitikud ja avasid omakorda oma järgijates kunstilise debati. Just sajandi lõpus ja uue aastatuhande eelõhtul on hästi suletud silmad esitatud aristokraatia topeltmoraalse vaatena truudusetuse, eetika ees ja suurema julgusega, kui ülevaade postmodernistliku ühiskonna tabu teemadest, inimkaubandus ja prostitutsioon kui linnaprobleemid, politsei kuritarvituste varjamine ja sellest sotsiaalsest küsitlemisest siseneb abielu sinakatesse õudusunenägudesse, kus valitseb ülestunnistamise vajadusele sarnane kiusatuse ja enesekindluse kriis. .

Tom Cruise ja Nicole Kidman võtavad oma reaalse elu suhet ilukirjandusest, mis on kohandatud 1926. aastal Arthur Schnitzleri kirjutatud Traumnovelle'i romaanist, mille tegelased on William ja Alice Harford. Ja kui fantaasiaga segamini ajatud reaalsuse järeldus, viisid enam kui 2 aastat kestnud filmimine ja muud kontekstilised asjaolud paarist lahutuse ja Kubrick esitas oma viimase filmi, peaosades ka režissöörid Todd Field ja Sidney Pollack, postuumselt. Ühel õhtul läbi linna ja selle äärealade kulgev teekond läbi tänavate ja varjude, läbi linna ja kostüümide seisab silmitsi Alice'i Williamile tehtud pahatahtliku paljastuse kahtlase kahesusega, mis loob visuaalse orgia lõigud, mis on ajendatud maski taga olev identiteet ja soovi väljendusrikas seksuaalsus, kui see väljendub. Tundub, et pealkiri hoiatab vaatajat irooniast, silmad on rohkem avatud eeldusele, et "oleks", mis lähtub keelatud teost. 1999. aasta suvel ilmunud satiiriline jõululint, mida aastate jooksul on ümber hinnatud ja kultuseks peetud. Kubrick suri enne esietendust, võib-olla oleks skandaali leevendamine võtnud teda mitu aastat, kuni kriitikud jagasid Cruise'i värinat nagu dr Harford öö salapäraste paroolide ja nende rituaalide osas.

20 aastat hiljem uuriti dr Hardfordi sisemust, Alice'i meeleheitlikku rahulikkust soovi taassünniks une õudusunenägu valatud soovi järele või maskide vennaskonda, mis varjavad identiteete, et omandada teisi tantsides seda, mida keelatud ja varjatud valguses jätkavad nad igasuguste tõlgenduste ja arvamusotsuste lahti harutamist, mille käigus lint vaadati ümber, et panna see kuulsa lavastaja üheks psühholoogiliselt kõige keerukamaks. Postmodernism eemaldub, et kohaneda kiireloomuliste sündmuste etapil isiklikul ja ühiskondlikul tasandil, vahendatud ühenduses, kiireloomuliste põimimisega.

Tõde on see, et Kubricku viimane film on ajale vastu pidanud ja saanud rohkem jõudu, kui see oli aastakümneid tagasi poleemikas olnud, jäädes mitte ainult selle režissööri viimaseks järeleandmiseks või filmiliseks testamendiks, vaid ka filmina, mida julges uurida enesetsensuuri, represseeritud soovide piinamised või armastuse tüdimus, mis püüab teistel servadel end uuendada, mõistuse süvenditest ja piinadest valades aastatuhande lõpu salajaste kavatsuste topeltstandarditesse muud. 1999, 2 aastakümmet sajandi algusest ja lõpust ning meie jaoks täna uue kümnendi alguses.

Kaanepilt: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Kirjanik ja dokumentaalfilmide tegija. Peetakse Hispanic American iseloomustuskirjanduse üheks juhtivaks eksponendiks. Ta on romaani „ El Surco”, „ El Ítamo” ning luuletuste „ Navigeeri ilma aerudeta ja kardinaalsetes punktides ” autor, mis käsitlevad universaalset rännet ja mida on uuritud erinevates ülikoolides kogu maailmas . Ta lavastas dokumentaalfilmid Inimese hääle ja puhkepäev . Ta on Filmakersmovie.com toimetusjuht.